Michelle Bird Painter

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Michelle Bird ist in vieler Hinsicht eine aussergewöhnliche Persönlichkeit. Schon ihre Biographie weicht von jeder Norm ab, und so ist auch ihre Kunst nicht einfach einzuordnen und zu analysieren. Geboren ist die Künstlerin in San Francisco, und ihre Jugendzeit verbrachte sie dort an der amerikanischen Westküste.

Schon früh bringen die familiären Bindungen das junge, hochbegabte Mädchen zur Kunst im weitesten Sinne. Die Mutter, eine Amerikanerin mit nordeuropäischen Wurzeln, ist eine erfolgreiche Designerin, die ausserdem noch Politik-wissenschaften studiert hat. Der Vater ein mongolischer Chinese aus Shanghai. Er ist Maler, Fotograf und Politiker. Mit diesem Erbgut ist nicht nur der Weg zu künstlerischer Tätigkeit, sondern auch für ein Leben voller Weltoffenheit und unbezähmbarer Kraft vorgezeichnet.

Noch als Schulkind, geniesst Michelle künstlerische Ausbildungen, die durch die Tätigkeiten der Eltern verstärkt werden. So erwacht auch bald die Neugierde auf die künstlerischen Ereignisse in ihrem engeren und weiteren Umfeld. Es ist aber nicht nur die bildende Kunst, die die Entwicklung der Künstlerin begleitet, sondern auch die Begeisterung für die Architektur, die Fotografie und die Musik - speziell die Oper und das Ballett. In die blühende lokale Kunstszene der amerikanischen Westkünste mit den vielen internationalen Künstlern, Komponisten und Schriftstellern taucht sie tief ein, und Michelle Bird erinnert sich dankbar an diese Zeit, in der sie viel an Erfahrung profitiert und die sie prägt.

Die grosse amerikanische Kunst mit ihrer weit nach Europa ausstrahlenden Bedeutung nimmt sie in sich auf, und Künstler wie Keith Haring und Andy Warhol und viele andere erwecken ihre Begeisterung. Diese Hard Edge Kunst mit ihren charakteristischen abstrakten Kompositionen von chromatischen Farbfeldern, wie auch gegenständlichen Figurationen bewundert die Künstlerin. Da wir keine Arbeiten von Michelle aus jener Zeit kennen, wissen wir nicht, ob diese wichtige amerikanische Kunst irgendwelche Einflüsse auf ihre eigene Kunst bewirkt hat. Das ist aber eher zu bezweifeln.

Wohl von ihren ersten künstlerischen Bemühungen an geht Michelle Bird ihren eigenen, ganz persönlichen Weg jenseits aller aktuellen Strömungen und Gruppierungen. Sie bleibt trotz unterschiedlichster künstlerischer Lehrerinnen und Lehrer eine eigene, eigenwillige Künstlerpersönlichkeit.

Neben ihren vielseitigen künstlerischen Interessen und Tätigkeiten bleibt noch Zeit für den Besuch und die Absolvierung einer Segelschule und die Renovation eines eigenen Segelbootes aus Holz. Sie wird eine begeisterte Seglerin.

1990, mit 25 Jahren, verlässt Michelle Bird Amerika und zieht nach Europa, nach Amsterdam. Als eine Flucht bezeichnet sie später diesen Umzug. In Amsterdam taucht sie voll in das dortige lebendige und interessante Kulturleben ein. Wie in Amerika interessiert sie sich für alles: für Musik, Oper, Tanz, Ausstellungen, sowie auch für weiter entfernt Liegendes wie Computertechnik, Bronzeguss, Restaurierungstechniken. Aber die Malerei bleibt immer ihr wichtigstes Anliegen.

1998 verursacht der tragische Tod des Freundes einen entscheidenden Wendepunkt und eine Neubesinnung im Leben von Michelle Bird. Es wird ihr bewusst, dass die Malerei ihr eigentliches Leben ist. Hier findet sie Trost, hier erwachen neues Leben, neue Freude und Befriedigung, hier hat das Dasein wieder einen Sinn. Sie erzählt, dass sie nach dem Tod des Freundes in den folgenden sechs Jahren praktisch jeden Tag gemalt hat.

Zunächst aber flieht sie in die weite Welt. Sie reist nach Indien, besucht Bali, verfolgt in Indonesien Batikarbeiten und besucht in Java und Indonesien Künstler, um die dortige zeitgenössische Kunst kennen zu lernen.

Bei ihrer Rückkehr nach Amsterdam stürzt sich die Künstlerin voll auf die Malerei, besucht verschiedene Akademien und Schulen, ohne jedoch eine ausreichende Antwort für ihre Kunst zu finden. Daneben nimmt sie sich Zeit für Reisen, die sie in alle bedeutenden Museen Europas führen. Zu ihren Kunstwanderungen zählen Abstecher nach Schweden oder Rumänien.

Dann aber kommen in Amsterdam wieder die Enttäuschungen, die sie in Kunstschulen immer mehr bedrücken. Sie sucht sich einen Mentor, und es ist ihr persönliches Glück, dass sie dem Maler Anton Martineau vorgestellt wird, dessen Schülerin sie von 2001 bis 2004 bleibt. Nach ihren Worten hat er ihre Welt vom ersten Moment an verändert.

Martineau, 1926 geboren, gehört der Generation der Künstler der CoBrA (= Cobra) Gruppe an, die damals die dortige Kunstszene beherrscht, von der er sich aber deutlich unterscheidet und abgrenzt. Die 1948 in Paris gegründete Cobra Gruppe bestand eigentlich nur bis in die 1950er Jahre, ihre Wirkung und Nachfolge findet aber noch Jahrzehnte später einen Niederschlag.

Michelle Birds künstlerische Weiterentwicklung wird nun durch zwei Blöcke bedroht, aber nur scheinbar eingeengt. Auf der einen Seite ihr Lehrer und Mentor Martineau. Er pflegt eine Malweise, die informelle Züge aufweist, aber Elemente der Volkskunst, der Kunst der Primitiven und der „art brut“ zu einem eigenwilligen Stil verarbeitet. Auf der anderen Seite die Kunst der Cobra Künstler mit deren wichtigsten Vertretern Karel Appel, Ansgar Jorn und Pierre Alechinsky. Ihre Malerei ist ein Prozess der impulsiven Gestik, der vehementen Linien und der Farbexplosionen. Es ist eine informelle expressive Malerei, die aber auch – ähnlich der Kunst von Martineau – Anleihen aus der Kunst der Primitiven, auch der Geisteskranken nimmt.

Immer wieder wurde und wird die Malerei von Michelle Bird in die Nähe der Cobra Maler gebracht. Das ist so nicht richtig! Ihre Kunst lässt sich zunächst in keine Kunstströmung einordnen. Die avantgardistische Cobra Gruppe hat Michelle Bird sicher beschäftigt, und sie hat sich mit ihrer Malerei auseinandergesetzt. Nie aber haben sie ihren Malstil geprägt oder beeinflusst. Die künstlerische Welt von Michelle Bird ist die Farbe, nicht die Gestik. Ihre Kunst will Lebensfreude zum Ausdruck bringen, und sie hat nichts mit der Aufbruchstimmung der Cobra Maler nach der Katastrophe des Zweiten Weltkrieges zu tun.

Doch auch die Kunst von Anton Martineau, ihres verehrten und bewunderten Lehrers, hat in Michelle Birds künstlerischer Weiterentwicklung kaum Spuren hinterlassen, was insofern überrascht, weil Martineau nicht nur einen starken künstlerischen Einfluss auf sie hatte, sondern auch intensiv mit ihr gearbeitet hat.

Die Künstlerin beschreibt ihre Arbeit mit Martineau als eine andauernde lebendige und befruchtende Begegnung: Am Morgen begannen wir mit der Malerei… am Nachmittag wurden die Arbeiten analysiert… Stärken und Schwächen gesucht… um zu verstehen, was meine Handschrift war… Schöner und dankbarer kann eine Schülerin nicht über ihren Lehrer urteilen.

Trotz dieser intensiven künstlerischen Beziehung blieb die Malerei von Anton Martineau in der Kunst von Michelle Bird verdeckt. Nicht die Cobra Maler, nicht der verehrte Lehrer Martineau haben die Malerei von Michelle Bird geprägt, sondern allein ihre künstlerische Kraft, ihr künstlerischer Wille, ihr unbeugsamer Instinkt, einen eigenen Weg zu suchen und zu finden.

Michelle Bird ist eine Malerin der Farbe, der „Peinture“, und nicht der Gestik. Ihre Palette ist so farbenfreudig wie es ihre Bilder sind. Die schwarze Farbe verwendet sie nur sparsam und nie dominant. Ihr Pinselstrich ist kurz und nur selten heftig. Bei aller Abstraktion liebt die Künstlerin auch das Figurale und kommt dort ihrem Lehrer Martineau am nächsten. Ihre abstrakten Bilder strömen Lebensfreude und Lebenslust aus. Wo sie gegenständlich wird, kommen dagegen auch Gedanken aus dem Transzendentalen, aus dem Unergründlichen und Rätselhaften des Lebens zum Ausdruck. Am Schönsten beschreibt die Künstlerin ihre Malerei mit den eigenen Worten: ich liebe das Spiel mit dem Rhythmus, die Tiefe und das Licht, Gegenüberstellung, Komplexität und Harmonie. Ich male mit glühenden Pinselstrichen, die reich an Farbe sind. Meine Kunst und Malweise sind intuitiv, und meine Beziehung zur Farbe ist taktile Erotik…

Über der Malerei von Michelle Bird wird gerne übersehen, dass sie auch eine begnadete Zeichnerin ist. Ihre Skizzenbücher sind voll von grandiosen skizzenhaften Zeichnungen. Bewundernswert sind ihre autonomen Zeichnungen. Sie sind von grosser Meisterschaft, und die Portraitzeichnungen beweisen ihr Können. Wer so hervorragend zeichnen kann, ist auch ein erstklassiger Maler. Die Zeichnung, die keinen Fehler und keine Schwachstelle verbergen kann, ist die Voraussetzung und Bestätigung für die hohe Qualität der Malerei, gleichgültig ob diese abstrakt oder figural ist.

Michelle Bird, die Ausstellungen im In- und Ausland nachweisen kann und deren Arbeiten an vielen Orten zu sehen sind, ist eine Malerin, deren Namen man sich merken muss. Ihre Kunst wird überall dort, wo sie anzutreffen ist, Freude erwecken durch ihre hohe Qualität.

Erwin Treu

1955-1968 Kunstmsueum Basel
1968-1971 Director of the Museum für Gestaltung Basel
1971-1990 Director of the Ulmer Museum Ulm

The path of a Painter

 

Michelle Bird, born in 1965 as Michelle Lynn Garrett in San Francisco, is an exceptional person in many ways. Her life’s path has led her to more than three continents, through many countries and cities, and has given her many unique impressions and experiences. As a result, her art is not easily categorized or analyzed; Bird’s expression is always the unexpected.

 

Bird grew up in San Francisco, living there and elsewhere along the West Coast of the United States for 25 years. In 1982 in San Francisco, her daughter Gretchen came into the world. Blessed with her mother’s talents, Gretchen would go on to become a painter herself.

 

Early on, family ties brought the young and highly gifted Michelle Bird into the world of art in its broadest sense. Her mother, an American with northern European roots, is a successful designer who studied political science and history. Bird’s father, a Mongolian Chinese from Shanghai, was a painter, photographer and politician. This inherited ‘DNA’ not only set her on the path towards artistic endeavors, but also meant a life full of cosmopolitan attitudes and unstoppable determination.

 

As a schoolgirl, Bird enjoyed a creative education, which aroused her curiosity for the surrounding arts. Yet it was more than an education in art that guided the development of this artist; it was also her fascination for architecture, photography and music, interests that were strengthened by her parents’ activities. The multiple talents of her parents continually obstructed her path as a painter. Bird explored arts and crafts, such as silversmithing, leather crafting and ceramics. She was drawn to diverse interests including computer programs, architecture and design. These eventually led her to an architecture firm where she began to make her living.

 

Bird has always been fascinated by architecture, and her sketchbooks are filled with architectural ideas. However, it is interesting to note that her paintings contain no such constructed elements. In fact, her paintings are not ‘constructed’ but, rather can be seen as mental explosions, always with a certain sense of inner liberation.

 

Immersed in the blossoming local art scene of the American West Coast with its numerous international artists, composers and writers, Bird recalls fond memories of her many experiences and how she has benefited from the lasting impressions of those years.

 

Great American art of this time, with artists like Keith Haring and Andy Warhol, awakened her enthusiasm. Bird appreciates this Hard Edge Art with its characteristic abstract compositions of chromatically colored fields as much as she appreciates contemporary figurative work. Since we do not know her early work, we do not know if this genre of American art influenced her style. Yet it seems unlikely. If any American artist has evoked lasting impressions on Bird then it would be Sam Francis; the most ‘French’ amongst the American painters would have had an effect in the earliest of her work.

 

It is likely that with her first artistic efforts Bird took a unique path, far from all the movements and groups of the era. Despite the views of several art teachers, she remained unconventional in her artistic expression.

 

In addition to her versatile artistic interests and activities, there was time to attend and graduate from sailing school with a skippers bay license. At the same time, she renovated her own wooden ketch.

 

In 1990, at the age of 25, Bird left America and moved to Amsterdam. She looked back on this move as an escape. She immersed herself in the vital and interesting cultural life of Amsterdam. As in the U.S., she was interested in everything: music, opera, dance, exhibitions and further removed fields like computer science, bronze casting and restoration techniques. But painting remained her most important calling.

 

In 1998 the tragic death of an intimate friend marked a turning point and a change of direction in Bird’s life. She became aware that painting was her authentic art form. In it she found consolation, a new life awakened, a new joy and satisfaction, and a life purpose. She recalls that after her friend’s death she painted almost every day for six years.

 

 

During this time she also fled deeper into the world. She traveled to India, visited Bali, pursued batik dying in Indonesia and visited artists in Java in Indonesia and acquainted herself with local contemporary art.

 

Upon her return to Amsterdam, Bird immersed herself in painting anew. She visited various academies and schools, yet found no satisfactory answers for her art. Consequently, she took the time to travel to and visited the many important museums of Europe. Her artistic travels lead her to England, Italy, Spain, Sweden, the Czech Republic, Hungary and Romania.

 

Back in Amsterdam again she felt the weight of disappointed from the art academies. She sought a mentor and, with luck, she met the painter Anton Martineau. She was his student from 2001 to 2004 and, according to Bird, her world changed from that moment on.

 

Martineau was born in Amsterdam in 1926, and while he belonged to CoBrA (the generation of artists that led the local art scene at the time), he clearly distanced himself from the movement. The CoBrA group was founded in Paris 1948 and existed only up until the 1950s, yet it continued to have an influence on art decades later.

 

During the time she studied under Martineau, Bird’s artistic development appeared to be threatened by two influences. On the one hand was her mentor, Martineau, whose method of painting was stylistically informal, yet processed elements of Folklore, primitive art and ‘Art Brut’ in an unconventional manner. On the other hand was the art of the CoBrA group with its most important members Karel Appel, Ansgar Jorn and Pierre Alechinsky. Their manner of painting was a process of impulsive gestures, vehement lines and explosive colors—an informal expressive manner of painting, similar to the art of Martineau, but with certain elements borrowed from primitive art and the mentally ill.

 

Bird’s manner of painting is frequently, but incorrectly, associated with the CoBrA painters. Her art cannot be classified to any movement. The avant-garde CoBrA group certainly interested her and she examined their work. However, it left no lasting mark on her manner of painting: Bird’s artistic world is based on color and not gesture. Her art expresses a joie de vivre and has no connection to the sentiments of departure with which the CoBrA painters were associated after the catastrophe of World War II.

 

The contrast in the following statements helps to illustrate Bird's spiritual distance from the CoBrA painters. Karel Appel, one of the most concise CoBrA painters, said of himself: “I am a barbaric painter in a barbaric time.” Compared to Bird’s quote: “I paint fervently for long intervals, as if I were walking blindfolded through nature, feeling the color with my skin." Even if decades lay between both statements, they illustrate different artistic and spiritual worlds.

 

Even her admired mentor Martineau barely left tracks her artistic development. Which is surprising as not only did he have a strong artistic influence on Bird, he also worked very closely with her. Bird describes her work with Martineau as an enduring, crucial and inspiring collaboration, “In the morning we began with painting...in the afternoon the work was analyzed... we observed strengths and weaknesses...to understand what was my own handwriting...” A pupil offering a beautiful and appreciative description of her mentor.

 

Yet, despite their close artistic relationship, Martineau’s manner of painting remained absent from Birds art. It was not the American art of the era, the CoBrA painters, nor even her own respected mentor Martineau that left their imprint on Bird’s work; it was always her own unique artistic strength, her artistic will and unbending instinct to seek her own path.

 

Even though Bird has found a unique style of painting and paves her own way, it is still appropriate to consider artists who have had no personal or direct contact with her, yet show similar or related artistic characteristics.

 

So where do we find comparable–or even related–artistic statements? As difficult as it may seem, artistic parallels can be found with the painters of the École de Paris – the group of French artists who created a new vision after World War II in France. These artists, worked in the French tradition: their colors, their methods and the quiet forms of their themes. This was a blatant contrast to the German abstract expressionism with its crude and coarse gestures, and similar to the Dutch painters of the CoBrA group. Thus we can very cautiously view Bird's manner of painting as a continuation of the French artists from the 1950s through 1970s.

 

During her time in Amsterdam, Bird befriended an American journalist who gave her use of a studio in Paris on the Ile Saint Louis. Bird worked in Paris intermittently for the following two years. During this time she visited museums, galleries and studios, as she drew closer to the French manner of painting. It was here in Paris that she may have found the nuances reminiscent of the École de Paris in her own work.

 

We can also mention Jean-Paul Riopelle (1923-2002), who lived and worked in Paris, and maybe also Alfred Manessier (1911-1993), but most importantly, Jean Bazaine (1904-2001). Bird did not obviously borrow directly from École de Paris, but it should be noted that this trend comes closer to her work than any other.

 

Bird is a painter of color and paint, and not of gesture. Her palette is as colorful as her paintings. She uses black sparsely and never dominating. Her brush stroke is short and only rarely violent. Although her paintings are predominantly abstract, she also loves the figurative and this is where she comes closest to her teacher Martineau. Her abstract paintings are full of vitality and zest for life. When her work is figurative, it expresses thoughts of the transcendental and enigmatic. The most beautiful description of her work comes from Bird’s own words: “I love to play with rhythm, depth and light, juxtaposing complexity and harmony. I paint with flowing strokes which are rich in colors. My art and manner of painting are intuitive and my relationship with color is tactile erotic...”

 

As stated earlier, not only does Bird's art display an orgy of color–a synthesis of colorful abstractions–with anthropomorphism it also contains figurative elements. These elements are clearly not ancillary phenomenon's of Bird’s art, yet at the same time they do not have the same significance as the pure abstractions.

 

We must not overlook the fact that Bird is also a remarkable illustrator. Her sketchbooks are filled with magnificent drawings. Her autonomous drawings are admirable and show a great mastery. Bird’s portrait drawings are proof of her skills. The artist who draws this brilliantly is also a master painter. Her drawings reveal no mistakes or weaknesses, confirming the high quality of Bird’s painting, whether it is abstract or figurative.

 

Bird lived in Amsterdam for 15 years until 2004 when she followed a “cri de coeur“ and moved to Winterthur, Switzerland, where she has her own studio. Bird has had numerous exhibitions of her paintings, both at home in Switzerland and abroad. She is an astonishing painter whose name should be noted. Wherever she is and her art is found, there is sure to be a high quality of zest for life.

 

Dr. Erwin Treu

 

1955-1968 Art Historian for the Art Museum Basel

1968-1971 Director of the Museum für Gestaltung Basel

1971-1990 Director of the Ulmer Museum Ulm

 

music@phraseland.com
Translated by Björn

&

Kellie Nolan McCartney
ViewFinder Center for Photography